panorama queer / 19 maggio 2022

I Hope I’m Loud When I’m Dead

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/omaggio-a-beatrice-gibson/182370

[ita]

Il film si apre con l’artista che descrive un momento di paura e poi prosegue giustapponendo filmati della famiglia di Gibson a scene di disordini globali. Sono presenti anche letture dei poeti americani Eileen Myles e C.A. Conrad – la cui poesia dà il titolo al film – insieme a immagini ritrovate e alla colonna sonora di Pauline Oliveros. Nonostante la paura e l’ansia generate da alcune immagini in sequenza rapida, le tenere scene familiari forniscono uno sfondo narrativo di forza e sopravvivenza.

[eng]

The film opens with the artist describing a moment of fear and then goes on to juxtapose footage of Gibson’s family with scenes of global unrest. Readings by American poets Eileen Myles and C.A. Conrad – whose poem supplies the title for this film – also feature, alongside found images and soundtrack by Pauline Oliveros. Despite the fear and anxiety generated by some of the fast-moving footage, tender family scenes provide an overriding narrative of strength and survival.

presenze / 19 maggio 2022

Blue Streak

[ita]
Il secondo movimento della Suite orchestrale n. 3 in Re maggiore di Bach accompagna tre piani sequenza, punteggiati da parole riferite alla sessualità, di donne e uomini nudi all’interno di una stanza, alternati ad altri tre piani sequenza en plein air in cui delle voci fuori campo raccontano con dovizia di dettagli delle esperienze sessuali.
Blue Streak, una dei primi lavori di Mark Rappaport, è una dichiarazione d’intenti, un manifesto programmatico di un autore che contesta la netta separazione tra: cultura alta e cultura bassa; linguaggio aulico, medico, scientifico e linguaggio quotidiano, gergale, volgare; maschile e femminile; umano e animale. E allo stesso tempo è una reinterpretazione personalissima e sovversiva del blue movie. Un invito a tenere in considerazione che ciò si sta cercando possa trovarsi nei luoghi apparentemente più impensabili.

[eng]
The second movement of Bach’s Orchestral Suite n. 3 in D major accompanies three long takes, punctuated by words referring to sexuality, of naked women and men inside a room, alternating with three other long takes en plein air in which off-screen voices tell of sexual encounters in great detail.
Blue Streak, one of Mark Rappaport's first works, is a declaration of intent, a programmatic manifesto by an author who challenges the clear-cut distinction between: high culture and low culture; courtly, medical, scientific language and informal, slang, vulgar language; masculine and feminine; human and animal. And at the same time it is a very personal and subversive reinterpretation of the “blue movie”. An invitation to always take in mind that what you are looking for may actually be found in the most unimaginable places.

presenze / 19 maggio 2022

Debra Paget, For Example

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/debra-paget-e-altri-video-saggi-di-mark-rappaport/182376

[ita]

In poco più di dieci anni di carriera Debra Paget ha collaborato con grandi autori, è stata legata alla 20th Century Fox da un contratto esclusivo e ha cercato di eludere i ruoli stereotipati spesso assegnatile dando prova delle sue doti attoriali, per poi infine eclissarsi al volgere degli anni Sessanta. Debra Paget, For Example è il ritratto di un’attrice promettente, una starlet mai divenuta diva, un corpo sacro e profano, un volto da “Madonna addolorata” e la somma “Principessa del kitsch”: un tassello importante dell’opera di Rappaport che continua a sovvertire il canone cinematografico imperante e questionare la sua autorità nonché a ripensare la storia del cinema come arte della digressione e della fulgida ri-scoperta di ciò che è stato dimenticato, sottostimato o relegato all’irrilevanza.

[eng]

In just over a decade, Debra Paget collaborated with great directors and soon became a contract player at 20th Century Fox. She tried to circumvent the stereotypical roles often assigned to her, and eventually disappeared with a certain hint of mystery at the turn of the 60s. Debra Paget, For Example is the portrait of a promising actress, a starlet who never became a diva, a sacred as well as profane body, the master at the “sorrowful Madonna looks” and the sumptuous “Princess of Kitsch”: an important piece of the work by Rappaport who continues to subvert the cinematic canon while questioning its authority, as well as rethinking the history of film as an art of digression and brilliant re-discovery of what has been neglected, underestimated or relegated to irrelevance.

presenze / 19 maggio 2022

Becoming Anita Ekberg

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/from-the-journals-of-jean-seberg/182380

[ita]

Anita Ekberg debutta all’inizio degli anni Cinquanta: una bionda giunonica che fa perdere la testa agli uomini, una sex symbol esplosiva che, nei film diretti da Frank Tashlin, arriva a guadagnarsi il ruolo di comprimaria della coppia Lewis-Martin. Ma è con i venti minuti più importanti della sua carriera ne La dolce vita (1960) che si trasforma in “dea del sesso”, creatura mitologica immersa nella Fontana di Trevi. Dai tempi di Hollywood o morte! (1956) interpreta se stessa, ma è soltanto in Boccaccio ’70 (1962) che può finalmente diventare Anita Ekberg, un’attrice di fama internazionale. “Diventare Anita Ekberg” implica allora il rimanere immobilizzata in una posa fotografica che amplifichi la sua aura di dea immortale – nell’illusione che sia possibile fermare il tempo – e, parimenti, non essere più in grado di calzare i sandali divini e abbracciare la propria natura mortale.

[eng]

Anita Ekberg makes her debut in the early 1950s: a Junoesque blonde who makes men lose their minds, an explosive sex symbol who, in the films directed by Frank Tashlin, manages to earn the role of supporting actress for the Lewis-Martin duo. But it is with the most important twenty minutes of her career in La dolce vita (1960) that she becomes a "sex goddess", a mythological creature immersed in the Trevi Fountain. Since Hollywood or Bust! (1956) she plays herself, but it is only in Boccaccio '70 (1962) that she can finally become Anita Ekberg, an internationally renowned actress. "Becoming Anita Ekberg" then implies being immobile in a photographic pose that amplifies her aura of immortal goddess – in the illusion that it is possible to stop time – and, likewise, no longer being able to put on the divine sandals, and thus acknowledging to be a mortal creature.

presenze / 19 maggio 2022

Max & James & Danielle…

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/sir-gay-e-altri-video-saggi-di-mark-rappaport/182368

[ita]

Quanti altri capolavori avrebbe realizzato Max Ophüls se non ci avesse lasciato a soli 54 anni?, si chiede Rappaport in quest’opera che esterna tutta la sua ammirazione per il grande cineasta tedesco. E, soprattutto, in quali altri modi avrebbe potuto farci apprezzare il talento e la garbata eleganza dei suoi attori prediletti, James Mason e Danielle Darrieux? Max & James & Danielle… è una lettera d’amore per un cinema d’altri tempi, per un mondo che non esiste più o che, forse, non è mai esistito; uno sguardo incantato e una riflessione sullo stile che non si riduce mai in una banale ricorrenza tematica, ma che rivela come un autore vede il mondo e come le sue creature lo abitano e si muovono al suo interno, danzando in sintonia con la macchina da presa, sempre mobile e palpitante come l’animo umano.

[eng]

What if Ophüls have lived longer and not died at the age of 54? How many other masterpieces he would have made?, asks Rappaport in this work that expresses all his admiration for the great German filmmaker. And, above all, in what other ways could he have made us appreciate the talent and the graceful elegance of his favorite actors, James Mason and Danielle Darrieux? Max & James & Danielle… is a love letter for a cinema of yesteryear, for a world that no longer exists or that, perhaps, has never existed; an enchanted gaze and a reflection on style that is never reduced to a trivial thematic recurrence, but something which reveals how an author sees the world and how his creatures inhabit it and move within it, dancing in harmony with the camera, always mobile and vibrant like the human soul.

presenze / 19 maggio 2022

Rock Hudson’s Home Movies

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/rock-hudson-s-home-movies/182373

[ita]

Separare nettamente la propria vita privata da quelle dei personaggi interpretati per un attore può rivelarsi un’impresa ardua. Ancora di più quando questa duplicità nasconde, dietro il piglio mascolino da dongiovanni impenitente bramato dalle donne, un omosessuale che lavora nella Hollywood superficialmente conservatrice degli anni Cinquanta. Sfruttando al massimo le possibilità offerte dalla manipolazione delle videocassette, in Rock Hudson’s Home Movies Rappaport analizza con sagace umorismo i frammenti dei film più celebri nei quali il grande divo ha preso parte, riuscendo a trasformarli in intimi scampoli di pellicola trafugati da un archivio di filmini di famiglia, lasciando emergere la personalità della quale, come personaggio pubblico, era stato deprivato: una personalità che solo la morte e il cinema che diventa pratica d’archivio possono riassegnare.

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For an actor, clearly separating his private life from those of the characters he plays, can prove to be a difficult task. Even more so when this duplicity hides, behind the masculine look of an unrepentant ladies’ man coveted by women, a homosexual who works in the superficially conservative Hollywood of the 1950s. Making the most of the possibilities offered by the manipulation of VHS, in Rock Hudson's Home Movies Rappaport analyses with shrewd humour the fragments of the most famous films in which the great actor took part, managing to transform them into intimate scraps of film stolen from an archive of home movies, letting thus emerge the personality of which, as a public figure, had been deprived: a personality that only death and the cinema that becomes archival practice can reassign.

presenze / 19 maggio 2022

The Silver Screen: Color Me Lavender

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La storia del cinema hollywoodiano trova una nuova forma narrativa attraverso l’accostamento di un incredibile mole di spezzoni tratti da film prodotti tra gli anni Trenta e gli anni Sessanta. Un viaggio – puntellato dalle osservazioni sagaci e dalle battute briose dell’anfitrione Dan Butler – sulle tracce di allusioni e doppi sensi che fanno riferimento all’omosessualità. Si passa dalla sua accettazione tacita e dalle spiritose scenette “a tema” degli anni Trenta alla derisione più aspra dell’immediato dopoguerra, un’epoca in cui i ruoli di genere si irrigidiscono anziché predisporsi a una maggiore flessibilità; dalla parodia del corteggiamento eterosessuale al flirt apertamente gay. E se è possibile inviare più messaggi contemporaneamente e fare quindi l’occhiolino a pubblici differenti, il cinema americano ha fatto dell’elusione dell’autocensura imposta dal codice Hays un’arte tanto sotterranea quanto dirompente.

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The history of Hollywood cinema finds a new narrative form through the juxtaposition of an incredible amount of clips taken from films produced between the 1930s and 1960s. A journey – underpinned by the keen observations and spirited jokes of host Dan Butler – on the trail of innuendos and double meanings that refer to homosexuality. We move from its unspoken acceptance and the witty "themed" skits of the 1930s to the harshest derision of the postwar period, when gender roles hardened rather than becoming more flexible; from parody of heterosexual courtship to openly gay flirts. And if it is possible to send multiple messages at the same time and, consequently, wink at different audiences, Hollywood cinema has made of the avoidance of self-censorship imposed by the Hays code an art that is as underground as it is disruptive.

presenze / 19 maggio 2022

The Vanity Tables of Douglas Sirk

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/rock-hudson-s-home-movies/182373

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«Vanità delle vanità, tutto è vanità»: con questa citazione si apre e si chiude l’Ecclesiaste, e dalla stessa prende avvio la disamina di Rappaport incentrata sul ruolo dei tavoli da trucco – e soprattutto degli specchi – nel cinema del maestro indiscusso del melodramma, Douglas Sirk. La costruzione ridondante del monito biblico non si appiattisce qui in una metaforica immagine allo specchio, in quanto transitoria, inaffidabile e vanesia. Sedute al “tavolo della vanità” stanno le donne, a volte prigioniere di un microcosmo fittizio dal quale è impossibile fuggire, ma che altre volte è soglia attraverso cui accedere a falde temporali divergenti, che sia quella di un passato che riaffiora o quella di un futuro che potrebbe scompaginare le loro vite. Uno sguardo concreto ai film, un’analisi che si sofferma sugli oggetti che riempiono e danno forma alle inquadrature.

[eng]

«Vanity of vanities, all is vanity»: this statement opens and ends the Ecclesiastes, so as Rappaport’s investigation does, focusing on the role of vanity tables – and, above all, of mirrors – in the cinema of the undisputed master of melodrama, Douglas Sirk. However, the redundant construct of the biblical admonition does not flatten out in a metaphorical mirror image, inasmuch as it is transient, unreliable and vain. Seated at the "vanity table" are the women, sometimes prisoners of a fictitious microcosm from which it is impossible to escape, but that other times is a threshold through which to access divergent temporal strata, whether it is that of a past that resurfaces or that of a future that could overturn their lives. A concrete look at the films, an analysis that focuses on the objects that fill and shape the shots.

panorama queer / 19 maggio 2022

LAMBDAPHONE

Ispirato al multisignificato dell’undicesima lettera dell’alfabeto greco LAMBDA, completo scambio di energia ed al tempo stesso, il lambda fu assunto quale simbolo di un movimento di liberazione omosessuale negli anni Settanta in quanto lettera iniziale del verbo greco lýein, "sciogliere, liberare". I tre artisti si muovono sul palco in maniera quasi telepatica, attraverso un’interazione estemporanea tra suoni e immagini. La sperimentazione di Roy Paci e Vincenzo Vasi concepisce la performance in maniera fisica, viva, luminosa; le immagini di Massimo Ottoni utilizzano i più svariati materiali per creare magie visive che non potranno che stupire.

TICKET ON LINE

VIVATICKET: https://www.vivaticket.com/it/biglietto/opening-night-sicilia-queer-22/181967

panorama queer / 19 maggio 2022

Bébé Colère / Baby Anger

TICKET ON LINE > https://www.vivaticket.com/it/biglietto/opening-night-sicilia-queer-22/181967

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Un bambino smarrito, di fronte a un mondo contemporaneo e ai suoi spazi vuoti, si chiede come crescere. Negli ultimi anni, Caroline Poggi e Jonathan Vinel hanno sviluppato un corpo di lavoro che si potrebbe definire radicale. Pochi registi si sono spinti come loro nel descrivere la violenza della normalità, che in Bébé Colère è esplicitamente chiamata a essere annientata, come rivela una scritta su un muro: «Fuck normality». Seguace della vivida tradizione antiumanista, il protagonista si spinge ancora oltre quando afferma: «Desidero la fine dell’umanità». Non c’è bisogno di dire che c’è poco spazio per la speranza in questo vivido ritratto del nostro tempo.

[eng]

A lost baby, confronted with a contemporary world and its empty spaces, asks himself how to grow up. Over the last few years, Caroline Poggi e Jonathan Vinel have been developing a body of work one might call radical. Few directors have gone so far as they in describing the violence of normality, which in Baby Anger is explicitly called to be eradicated, as an inscription on a wall reveals: «Fuck normality». A follower of the vivid anti-humanist tradition, the protagonist goes even one step further as he states: «I wish for the end of humanity». No need to say that there is little room left for hope in this vivid portrait of our time.